Bandcamp Navigator, August 2023

Wir leben in einem goldenen Zeitalter der Neuauflagen. Wenn man darüber nachdenkt, macht das Sinn, denn es gibt viel zu entdecken – eine Fundgrube an Musik, die größere Aufmerksamkeit verdient, aber aus irgendeinem Grund vielleicht nicht gleich beim ersten Mal entdeckt wurde. Dies gilt insbesondere für Punk- und DIY-Veröffentlichungen aus der guten alten Zeit der 1990er Jahre. Diejenigen von uns, die bei dieser Szene dabei waren, kommen in ein Alter, in dem wir, wie alle alternden Bevölkerungsgruppen, einfach nur auf der Couch sitzen und Oldies zuhören wollen (okay, vielleicht spreche ich hier nur für mich selbst …), und das gibt es Zahlreiche Labels helfen uns dabei, dieses Ziel zu erreichen. Diesmal beginnen wir unsere Reise mit einer Neuauflage der Post-Punk-/DIY-Szene aus der Gegend von Detroit.

Hier finden Sie in einem praktischen Paket alles, was von der Detroiter Post-Hardcore-Band Vine aufgenommen wurde, einer Gruppe, die in den 90er Jahren ein Bindeglied unter vielen war, das die Bands dieser Szene verband. Zwei Mitglieder von Vine, Gitarrist Charles Wood und Sänger Ryan Gage, gründeten später Broken Hearts Are Blue; Die Entwicklung zum Sound dieser Band spielt sich im Verlauf dieser Zusammenstellung ab. Den Albumnotizen zufolge wurden diese Titel alle im Jahr 1992 aufgenommen. Der Musikstil hier ist definitiv der „emotionale Hardcore“-Sound der Zeit; Der Einfluss der Frühlingsriten ist deutlich zu spüren. In diesen Tracks werden jedoch verschiedene Stimmungen erkundet, vom düsteren, klagenden „Without Feeling Ugly“, das die Laut-Leise-Laut-Dynamik optimal nutzt, bis zur präzisen Synkopierung von „Jack Red Cloud“, das das ankündigt Prahlerei der frühen Rye Coalition ein paar Jahre später. Ob Sie 1992 von Vine wussten oder nicht, spielt keine Rolle; Entscheidend ist, ob die Musik, die sie gemacht haben, auch drei Jahrzehnte später noch eine Wirkung hat oder nicht. Diese Sammlung ist der Beweis dafür.

Unser erster geografischer Tag dieser Reise findet uns in #Kalamazoo, Michigan. Holt eure Telefone raus. Du wirst sie für unsere nächsten Stopps brauchen …

Der Trick dabei ist, dass alle diese Songs auf Telefonen aufgenommen wurden – wie es in den Notizen zum Album heißt, handelt es sich bei dem Telefon im Wesentlichen um „ein Vierspurgerät, das im Grunde den Speicherplatz zusammenfalten und einem sagen kann, wo man gutes indonesisches Essen bekommt“. Die Möglichkeit, nahezu augenblicklich mit jemandem irgendwo anders auf der Welt musikalisch zusammenzuarbeiten, ist eine ziemlich revolutionäre Entwicklung. Majority Haircut hat dieses grundlegende Werkzeug verwendet, um eine umfangreiche Sammlung von Songs zu erstellen, die den Kontrast zwischen dem Einfachen und dem Komplexen erkunden. Nehmen wir zum Beispiel „Millie hat mir gesagt, ich soll das hier schreiben“. Es baut sich langsam von einem einfachen Anfang zu einer monströsen Klangwand am Ende des Tracks auf. „Honey Dream“ ist eine Rezitation der Erinnerung an einen Traum zu sanfter, skelettierter Musik, die nicht nur in ihrem Thema, sondern auch in ihrem Klang flüchtig ist. „Woodrats“ basiert auf einem schlingernden, marschierenden Tempo, das oberflächlich betrachtet geradlinig wirkt, im weiteren Verlauf des Songs jedoch an den Rändern etwas bedrohlich wird. Insgesamt sind Songs from Michigan Cellulars Vol. 2 ist ein interessant vielschichtiges Album, das über die relative Neuheit seiner Entstehung hinausgeht.

Die Aufzeichnung von Majority Haircut wurde auf einem #Handy aufgezeichnet (oder vielleicht auf mehr als einem, aber das von ihnen verwendete Tag ist einzigartig, also bleiben wir dabei). Wir verwenden dieses Tag, um von auf Mobiltelefonen aufgenommener Musik zu für Mobiltelefone aufgenommener Musik zu springen.

Bevor wir über diese Veröffentlichung sprechen können, müssen wir uns mit einigen sehr wichtigen Fragen befassen. Erstens: Benutzt irgendjemand noch Klingeltöne? Zweitens: Sind Klingeltöne Musik? Die erste Frage kann ich nicht beantworten. Wie die meisten Leute, die ich kenne, habe ich mein Telefon immer auf absolute Stille eingestellt. Ich wäre schockiert, wenn es ein Geräusch machen würde, das nicht direkt darauf zurückzuführen wäre, dass ich es dazu aufgefordert hätte. Der zweite ist etwas kniffliger. Die Antwort lautet natürlich „Ja“, aber angesichts der Tatsache, dass viele von uns ihre Telefone auf Lautlos/Vibration stellen, stellt sich eine dritte Frage: Wie wollte Lardon, dass diese Werke gehört werden? Wenn sie wirklich als Klingeltöne verwendet werden sollen, kann ich sie nicht wirklich als solche bewerten, aber als mundgerechte elektronische Kompositionen sind sie großartig. Von „makhnovtchina 3310“, das so klingt, als könnte es ein verlorenes Tetris-Level vertonen, über das alberne „a dog on a karting“ bis zum wütenden „metal de schlag“ und dem sprudelnden „dance dance fragile“ machen diese Tracks Spaß kleine Nuggets elektronischer Glückseligkeit. Sie sind leicht und es macht wirklich Freude, ihnen zuzuhören. Ich würde sie auf keinen Fall hören wollen, wenn ein Text durchkommt, aber als musikalische Süßigkeit sind sie wirklich befriedigend.

Ich gehe davon aus, dass Lardon das Tag #free music verwendet hat, um zu kennzeichnen, dass sein Album für den vorgesehenen Zweck kostenlos verwendet werden darf. Aber es gibt noch andere Bedeutungen von „frei“. Wir kommen nun zu einem Werk, das mit demselben Schlagwort darauf hinweist, dass es keine lineare Struktur hat.

Luis Lopes und die Gruppe von Musikern, die er hier zusammengestellt hat, präsentieren eine improvisierte Komposition, die in sieben Teile gegliedert ist – insgesamt ist sie dissonant, schwankend und atonal, aber voller Atmosphäre. Die Stimmung reicht von den nervösen, hüpfenden Saxofonen und der Wah-Wah-Pedal-E-Gitarre, die Teil IV dominieren, bis hin zu den langsamen, fast bedrohlichen gestrichenen und gezupften Saiten von Teil III, die dasselbe Saxophon in eine weitaus gedämpftere Konversation verwickeln. Echoisms ist eine Herausforderung, ja , aber unendlich fesselnd und fesselnd. Das Experimentieren verläuft hier auf verschiedene spielerische Weise, wobei jeder Musiker mit den anderen in der Gruppe zusammenarbeitet, um neue und belebende Klänge zu kreieren. Der Klang jedes Stücks und damit auch des Albums als Ganzes entwickelt sich auf unerwartete Weise und bringt selbst beim zweiten oder dritten Hören Überraschungen und neue musikalische Perspektiven mit sich. Es ist nichtlinear und dient dazu, den Horizont des Hörers hinsichtlich der Möglichkeiten von Instrumenten, Ensembles und sogar des Begriffs „Musik“ selbst zu erweitern.

Wir werden eine Weile in #Lissabon, Portugal bleiben und von experimenteller Improvisation zu ruhigerem Material übergehen.

Da hier keine Musiker genannt werden, ist es schwer zu sagen, ob Bea Lua der Name des Musikers oder der Name der Band (oder beides) ist. Daher weiß ich nicht, wem die Stimme auf diesem Album zugeschrieben werden soll – aber Es ist eine wunderschöne Stimme. Es beruhigt den Zuhörer von Anfang an. In „Seal“ stellt sich Bea Lua mit Wärme und Offenheit vor, dass der Erzähler das Titeltier ist, das allein auf einer Eisinsel lebt und „meinem Robbengeschäft nachgeht“. Obwohl diese schöne Stimme bei all diesen Titeln im Mittelpunkt steht, ist die Musikalität weit von einer einfachen Begleitung entfernt. Geschmackvolle Synthesizer-Anklänge („Free“), elegantes Klavier („Between“), gedämpftes, aber kraftvolles Schlagzeugspiel (der Titeltrack), Fingerzupfgitarre („Fadu“) und sogar einige Holzbläser (die letzten Momente von „Lua“) arbeiten zusammen, um den Gesang zu unterstützen und dem Album Struktur zu verleihen. Das Ergebnis ist ein sanft fesselndes Werk, das sich bei jedem wiederholten Hören neu und frisch anfühlt.

Wir sind zurück in der Mitte unseres alten Freundes, dem #folk-Tag. Wie Sie vielleicht erwarten, nutzen wir es als Weg zu etwas, das definitiv einen starken Folk-Einfluss hat, aber nicht genau das ist, was man von Folk-Musik erwarten würde.

Ciana Cia Mumbi beginnt mit gedämpften, fernen Geräuschen, die so klingen, als wären sie unter Wasser zu hören, und bringt uns bald an die Oberfläche und taucht in die Nacht ein, wo die klirrenden Trommeln und nächtlichen Tiergeräusche von „Kiambirira“ deutlich zu hören sind. Wir bleiben dort, in der Klangnacht von Muthoni Ni Mimi, für einen Moment, bis uns das Dröhnen von „Githaka Githaka“ wieder in einen gespenstischen Seinszustand stürzt, in dem sich vielschichtige Samples von Gesang und Lachen mit dem Klang verwirrender entfernter Glockenspiele verbinden, um uns zu desorientieren , uns in Zeit und Raum losmachen. Dies ist erst der Anfang einer Reise, die Aspekte des traditionellen ostafrikanischen Spiritualismus mit dichter, facettenreicher Ambient-Musik, gesprochenem Wort und gesampelten Feldaufnahmen verbindet. Geister und Wasser sind hier wiederkehrende Themen (aus Gründen, die in den Anmerkungen zum Album ausführlicher erläutert werden), und diese Themen werden klanglich perfekt dargestellt. Es ist üblich, eine Probe fließenden Wassers zu nehmen und sie in einen Ambient-Track zu verarbeiten, aber hier werden diese Geräusche zusammen mit anderen Naturgeräuschen auf neue Weise im Dienste einer thematischen Erzählung genutzt. Wie das Wasser, zu dem das Album immer wieder zurückkehrt, ist es ein fließendes, amorphes Werk, ein Erlebnis, das dem Hörer auch nach dem Ende des abschließenden „Guciarwo Ringi“ im Gedächtnis bleibt.

Der Tag #ambient ermöglicht uns den Übergang von folk-beeinflusster elektronischer Musik zu einem etablierten Künstler, der Fantasy-inspirierte Soundtracks produziert.

Rogs gesamte Diskographie ist ein Beweis für die Grenzen des breiten „Dungeon Synth“-Genres. Sicher, das Projekt trifft absolut auf diese Beschreibung zu, aber es gibt einen himmelweiten Unterschied zwischen einigen der raueren Bewohner dieser Höhlen und Rogs aufwändigen, oft zarten, sorgfältig konstruierten Fantasy-Klanglandschaften. Frühere Werke von Rog – zum Beispiel das meisterhafte Avalon aus dem Jahr 2019 – zeigen ihr Geschick darin, Ambient-Elemente mit Streichern und Percussion zu kombinieren. Bei Verdant sind diese Umgebungselemente zwar immer noch vorhanden, aber weniger auffällig. Stattdessen stützt sich Rog stark auf Streicher, Holzbläser und Schlagzeug und kreiert so den Soundtrack zu einem Fantasy-Schlossabenteuer. Einige dieser Tracks haben eine absolut filmische Atmosphäre. Nehmen Sie „Spearwall“; Der donnernden Percussion des Tracks gehen bombastische Blechbläserstimmen voraus, die eine Mischung aus Entschlossenheit und Angst vermitteln. Während des Spiels kann man fast sehen, wie die gepanzerten Krieger über einem schwelenden Schlachtfeld gegeneinander antreten. Verdant ist ein weiterer Beweis dafür, dass Rog bei jedem Gespräch über zeitgenössische Mittelalter-/Fantasy-/Dungeon-Synthesizer-Künstler im Vordergrund stehen sollte. Das ist eine fantastische Leistung.

Mit Sitz in #Kroatien ermöglicht uns Rog durch die Verwendung dieses Standort-Tags den Übergang vom Dungeon-Synthesizer zum Heavy Metal, was für jeden, der aufmerksam ist, kein wirklich überraschender Sprung ist – aber es ist kein Black Metal, zu dem wir wechseln. Es ist guter altmodischer Death Metal im Stil der 90er.

Alles daran ist eine liebevolle (wenn man dieses Wort bei einem so brutalen Thema verwenden kann) Hommage an „die alten Sitten“ des Death Metal der späten 80er und frühen 90er Jahre. Der Aberglaube macht es richtig. Excruciating Methodology ist eine perfekte Mischung aus den Headbang-Death-Metal-Stilen „Florida“ und „Schweden“, die in den glorreichen Tagen die Vorreiter waren. Was diese Veröffentlichung aus einem Meer von Old-School-Death-Metal-Anbetung herausstechen lässt, ist die rohe Kante, die darin verbleibt. Es handelt sich keineswegs um eine Lo-Fi-Aufnahme, aber anstatt alles auf Hochglanz zu polieren, lassen Superstition etwas Sand drin dort für Textur. Die Vocals zum Beispiel drohen manchmal, die Aufnahme zu übertönen, indem sie an den Rändern austreten, was sie noch hektischer klingen lässt. Musikalisch ist es klar, dass Superstition so schnell wie möglich spielt, was meine wichtigste Anforderung an jede Band ist, die ihre E-Gitarren über ein Verzerrungspedal laufen lässt. Der wahre Nervenkitzel liegt an der Grenze zwischen Struktur und Zusammenbruch. Hören Sie sich den Auftakt von „Ceremonial Insanity“ an und es wird deutlich, dass Superstition wissen, wie man diese Welle reitet.

Das #Death Metal ist hier so offensichtlich, dass es irgendwie ärgerlich wäre, wenn es nicht vorhanden wäre. Bei unserem nächsten Stopp bleiben wir fest im Bereich der „schreienden Musik“, aber es ist ein anderer Stil des Schreiens.

Es gibt ein paar Dinge, die ich euch über die neueste Veröffentlichung der italienischen Hardcore-Band Fury Department erzählen könnte. Diese Veröffentlichung kombiniert drei vernichtende neue Riff-Angriffe mit ihrer 2021 Friendship Oldness Commitment EP. Diese neuen Songs bauen auf der Grundlage der vorherigen Veröffentlichung auf und bringen mehr grubenfertige Two-Step-Parts und riesige Breakdowns in die Welt. Das neue Material setzt die Praxis von Fury Department fort, Gastsänger in ihren Tracks zu präsentieren und bringt Mitglieder von Erie, XRepresentX aus Pennsylvania und Knuckledust aus London mit auf die Party. Das alles erweckte die bereits großartigen älteren Aufnahmen, die hier erneut veröffentlicht wurden, zu neuem Leben und stellte nicht nur die verbesserten Produktionsstile von Fury Department vor, sondern gab auch mehr Leuten die Chance, großartigen Hardcore zu hören, den sie vielleicht verpasst hatten. Es gibt einen donnernden, wahnsinnig harten, harmonischen, quietschenden Breakdown, der mit „Hardcore is my Friend“ endet und Ihre Aufmerksamkeit verdient. Aber das Wichtigste an dieser Veröffentlichung ist vielleicht, dass „Nakatomi's Blood“ ein Sample einer vorbeifahrenden LKW-Hupe enthält, die kurz vor dem Zusammenbruch des Songs am Hörer vorbeibläst, und dass dies einer der großartigsten Mosh-Part-Callouts in der Hardcore-Geschichte ist.

Mehrere Labels haben dieses Album herausgebracht; Ein Label hat seinen Sitz in London und ein anderes, Bound By Modern Age, hat seinen Sitz in #Deutschland. Dort beenden wir unsere Reise dieses Mal mit einer kurzen Explosion exzellenten Garage-Punks.

Das zweite Album der Garage-Rock-Combo Catch As Catch Can schlägt sich von den ersten Sekunden des Eröffnungsstücks „War Ain't Over“ an und lässt es bis zum Ende nicht mehr los. Dies ist zu einem großen Teil auf den ausgeprägten, scharfen, summenden Gitarrenton zurückzuführen, der durchgehend verwendet wird. Es ist intensiv, ohne jemals „durchdringend“ oder nervig zu werden. Die 13 Titel dieses Albums vergehen nur selten im Tempo unter das, was ich als „Mitteltempo“ bezeichnen würde (am deutlichsten beim stampfenden „Medium Rare“ und später dann beim etwas gedämpfteren „Surviving the Good Life“) fühlt sich an wie ein Wimpernschlag. Herausragend sind das Hi-Fives-artige „Phantom Time“ (mit einer Länge von fast viereinhalb Minuten praktisch ein Epos) und „Latent Stupor“ mit einer ruckartigen Stop-Start-Gitarrenlinie, die sich zu einem absoluten Scheunenbrenner steigert Chor. Das Ganze ist scharfsinnig, eingängig und macht verdammt viel Spaß.

Vom Michigan der 90er Jahre bis zum modernen Deutschland ist es eine ziemliche Reise, und ich bin froh, dass Sie sie mitgenommen haben. Ich werde mir den Truck-Horn-Sample-Part von der Fury-Department-Aufnahme noch 12 oder 13 Mal hintereinander anhören, aber ich erwarte nicht, dass du mir dorthin zurückfolgst. Manchmal müssen wir einfach loslegen und unser eigenes Ding machen, verstehst du? Treffen wir uns bald wieder hier und machen wir alles noch einmal.