Fünf Ausstellungen im Utah Museum of Contemporary Art sind ein hervorragendes Beispiel für die Breite und Tiefe zeitgenössischer Werke von Künstlern aus Utah

Fünf aktuelle Ausstellungen im Utah Museum of Contemporary Art (UMOCA) zeichnen insgesamt ein beeindruckendes Porträt der Breite und Tiefe zeitgenössischer Werke von Künstlern aus Utah. Die Utah Review fasst das Quintett der Ausstellungen in dieser Zusammenfassung zusammen.

Ein Groß-Utah

Für diejenigen außerhalb von Utah und, offen gesagt, für viele im Beehive State tendieren die Vorstellungen über die kulturelle Geographie des Staates eher zu dem Monolithen oder zu Salt Lake City und den dichter besiedelten Gebieten im Norden Utahs als den einflussreichsten. Tatsächlich unterstreichen die sechs Regionen, die in der außergewöhnlichen, aufschlussreichen Ausstellung „A Greater Utah“ der UMOCA dargestellt werden, das aufgeklärte Bewusstsein einer kulturellen Grundlage, die so bemerkenswert vielfältig, spektakulär und langlebig ist wie die Naturlandschaften des Staates.

Die Bemühungen des Staates, den Tourismus zu fördern, haben es geschafft, atemberaubende Naturwunder zur Schau zu stellen, aber sie können auch genutzt werden, um hervorzuheben, wie überraschend und erfrischend der kulturelle Chor in Utah ist, der aus vielen ausdrucksstarken und visuellen Kunstformen besteht. Jared Steffensen, Kurator der UMOCA, erklärt: „Die Ausstellung bietet einen Ort für oft übersehene geografische und künstlerische Zentren, erweitert Erzählungen und Definitionen des Lokalen und kultiviert einen Chor von Stimmen und Perspektiven aus Utah.“

Der Betrachter kann jede der sechs dargestellten Regionen leicht identifizieren, auch ohne Beschriftung und Beschilderung. Die Künstler, die jeder regionale Kurator ausgewählt hat, um die Region zu repräsentieren, fassen gekonnt die besondere Dynamik der Kultur jedes Gebiets zusammen, die von ihrer Geschichte, Topographie, Demographie, Politik und spirituellen Ausrichtung geprägt und beeinflusst ist.

Als Kuratorin für Nord-Utah nahm Tiana Birrell zahlreiche Gegenüberstellungen zur Kenntnis und erklärte, wie einige der am dichtesten besiedelten Gebiete des Staates neben der Westwüste und dem Großen Salzsee liegen.

In Bezug auf die fünf vertretenen Künstler (Levi Jackson, Amanda Lee, Art Morrill, Mitsu Salmon und Fazilat Soukhakian) erklärte Birrell, wie eine Migrationskarte und ein Flugmuster einer Fluggesellschaft zusammen mit einem „wiederholten Gekritzel entlang der I-15“ ein Diagramm erstellen könnten wo jeder von ihnen lebt und kreiert. „Wie die Millionen Vögel, die durch den Großen Salzsee ziehen und durchziehen“, bemerkt Birrell, „repräsentieren diese fünf Künstler, was es bedeutet, sowohl physisch als auch metaphorisch über wahrgenommene Grenzen hinweg zu reisen und sich durch komplexe Geschichten und Landschaften zurechtzufinden.“ Beispielsweise dokumentiert Lees Wayfinding (2019), Siebdruck und Graphit, eine acht Meilen lange Wanderung durch neu abgelagerte Lavafelder. Als Test für die Fähigkeit der Künstlerin, aus formalen und traditionellen Wissensgrundlagen zu erschließen, bemerkte Lee, dass eine Person vor ihr kleine weiße Korallenstücke als Markierungen in der Ebenholzlandschaft platzierte, um ihr den Weg zu weisen. Salmon verwendet Ikebana, die japanische Form von Blumenarrangements, um den Einsatz asiatischer Arbeiter beim Bau der Transcontinental Railroad und ihre Großmutter hervorzuheben, die in einem Waschsalon arbeitete. Soukhakian, ein gebürtiger Iraner, hat mehrere Ausschnitte aus zwei Fotoprojekten, Queer in Utah und Defiance, zusammengestellt, die die Rebellion gegen den kulturellen Status quo widerspiegeln, der von den historischen Wurzeln Utahs im Mormonentum beeinflusst wurde.

Das Triptychon aus großen Fotodrucken für Levi Jacksons Midnight Swim (nach Shiras) ist beeindruckend und atemberaubend. In Anlehnung an den Naturfotografen George Shiras aus dem 19. Jahrhundert nimmt Jackson nächtliche Bilder eines Gebirgsbachs während eines Abflusses auf, während die Rekordschneedecke des letzten Winters schmolz.

Surrealismus und abstrakte Kunstthemen in verschiedenen Multimedia-Formen heben die Region Salt Lake County hervor, kuratiert von Nancy Rivera. Die künstlerischen Aussagen gehören zu den am schärfsten artikulierten rund um die gesellschaftspolitischen Themen rund um Utahs größte Metropolregion (vielleicht sogar noch deutlicher im südlichen Utah-Teil der Ausstellung). Sie reichen von steigenden Lebens- und Arbeitskosten in einer Region, die von Verkehrsstaus und einer sich verändernden Innenstadtsilhouette geprägt ist, bis hin zu einer wachsenden Lücke bei der Verfügbarkeit von bezahlbarem Wohnraum sowie Bedenken darüber, wie eine immer dichter werdende menschliche Präsenz die natürlichen Ressourcen und Wasserressourcen der Region belastet .

Über die Künstler (Stephanie Espinoza, Vanessa Romo, Wren Ross und Xi Zhang) bemerkt Rivera: „Jede der Kreationen des Künstlers ist auf individuelle Umstände zurückzuführen, doch gemeinsam zeigen sie, wie das Teilen unserer Erfahrungen uns in ähnliche Geisteszustände treibt und einen verbindet.“ Gefühl unserer gemeinsamen Menschlichkeit.“ Ross' An Emanation, ein Aquarell aus dem Jahr 2020 mit Buntstift, Tinte und Kasein, ist ein feines Zusammenspiel von Surrealismus und Expressionismus und eine überzeugende visuelle choreografische Aussage darüber, wie sich Katharsis in unseren inneren psychologischen und kognitiven Bereichen manifestieren könnte.

Unterdessen enthält Zentral-Utah, hervorgehoben durch das Sanpete Valley, einige der langlebigsten Überreste früher mormonischer Pioniersiedlungen. Amy Jorgensen wählte sieben Künstler aus, um „traditionelle Erzählungen erneut zu untersuchen“, ein umfassenderes Porträt der Region Sanpete Valley zu entwickeln und die vorherrschenden Mythen und Folklore der Region zu hinterfragen.

Das dreiminütige Videostück „Central Walk Through“ von Kelly Brooks hat einen ASMR-Effekt und zeigt, wie es sich anfühlen könnte, durch die Gegend zu laufen, nicht anders als diejenigen, die ausgewandert sind und sich dort niedergelassen haben. Richard Gates Mixed-Media-Collagengemälde „Star Map, Cassiopeia“, gerendert in Öl, Papier und Xerox-Transfer auf einer Birkenfurnierplatte, ist eine facettenreiche autobiografische Betrachtung seiner Erfahrungen bei der Bewegung durch Räume in der Zentralregion des Staates. Aus der Baby Quilt-Serie von Ray Farmer sind zwei Werke aus unglasiertem Steingut, Stoff, Faden und Garn die Antwort des Künstlers auf seinen Besuch im Salt Lake Daughters of Utah Pioneers Museum. Zusammen mit anderen Stücken, die Zentral-Utah repräsentieren, regt Farmers Werk zum Nachdenken darüber an, wie wir Geschichten und Hinterlassenschaften visualisieren, die von Generation zu Generation weitergegeben werden, und wie sie sich mit Wissen und Aufklärung verändern, insbesondere wenn wir versuchen, die wenig schmeichelhaften, problematischen Momente aus unserem historischen Gedächtnis zu entfernen.

Brooks arbeitete auch mit dem Schriftsteller English Brooks zusammen, um ein Multimedia-Stück zu erstellen – ein Handyvideo und Buntstiftdrucke –, das abgeriebene Eindrücke von Fragmenten poetischer Verse aus verschiedenen Denkmälern zum Gedenken an mormonische Pioniersiedlungen aufnimmt und ihren ursprünglichen Kontext untergräbt.

Eines der beeindruckendsten Werke der Ausstellung ist eine knapp dreiminütige Videoarbeit, die ein inzwischen geschlossenes kleines unabhängiges Geschäft in Sterling, Utah, dokumentiert: Thomas Grocery, das Lily Thomas gehörte. Sie arbeitete bis in ihre Neunziger und betreute mehr als sieben Jahrzehnte lang Kunden. Der Laden wurde auch nach der Eröffnung eines Wal-Mart-Standorts im nahegelegenen Ephraim weitergeführt. In einem Feature der Deseret News aus dem Jahr 2007 wurde Thomas darüber zitiert, wie sich der Supermarkt auf ihr Geschäft ausgewirkt habe, in dem sie einst landwirtschaftliche Produkte und Artikel wie westliche Kleidung und Accessoires verkaufte. „Es gibt keine Möglichkeit, dass ein kleiner unabhängiger Laden preislich mit einem Ort wie Wal-Mart mithalten kann“, erklärte sie, warum sie begann, mehr Limonade zu verkaufen und einen Hot-Dog-Automaten zu installieren. „Das hat also alles sehr verändert.“ Thomas starb kurz nach Veröffentlichung des Beitrags im Alter von 93 Jahren.

Reza Savafis Hommage an Thomas Grocery ist eine akribisch detaillierte Darstellung der historischen Stätte. Er machte Hunderte von Bildern des Gebäudes aus jedem Blickwinkel und nutzte 3D-Scantechnologie und 360-Grad-Videos, um die Videokunst zu erstellen. Er fügte eine üppige Landschaft aus einer Virtual-Reality-Gaming-Quelle hinzu, um den Eindruck zu erwecken, dass der Laden gerade mitten in der Landschaft aufgetaucht wäre.

Der gleiche thematische Impuls wird durch die Arbeit von Katie Hargrave und Meredith Laura Lynn in ihrer Dokumentation der menschlichen Fußabdrücke des Tourismus im Arches-Nationalpark getragen. Zusätzlich zu einer Videoprojektion bestückten die Künstler ein Zelt mit gemeinfreien Bildern von Touristen, die im Park gesehen wurden.

Die prominenteste Vertretung indigener und indianischer Künstler findet sich in der Region Ost-Utah, die von Valentina Sireech kuratiert wird. Zu Sireech gesellen sich die Künstler RJ Colorow und Chelsea Kaiah.

Wie Sireech anmerkt, repräsentiert die Kunst Künstler, die sich dafür einsetzen, das Bewusstsein für produktiven sozialen Aktivismus zu schärfen, da sie „sich auf kulturzentrierte Fragen von Land und Umwelt konzentrieren“. Einige der detailreichsten Werke der Ausstellung sind in diesem Abschnitt zu finden. Künstler verwenden auf verschiedene Weise digitale Mischtechniken, Fotografie, Perlen mit üblichen Materialien und Techniken, Aquarell- und Tuschezeichnungen in abstrakter Form.

Es gibt herausragende Beispiele von Künstlern, die traditionelle Medienformen nutzen, um ihre Bedeutung in historischen Dokumentationen hervorzuheben, wie zum Beispiel Colorows atemberaubendes Aquarell- und Tuschewerk mit dem Titel Elk Women. Kaiah's Connect, hergestellt aus Rocailles, Korallen, Vintage-Perlen, Perlmutt, gefärbtem Lammleder, Seil und Stoff, ist ein anschauliches Beispiel dafür, wie traditionelle Künste zu einem wirksamen Mittel werden, um kulturelle Geschichten zu vermitteln und individuelle Identitäten hervorzuheben, die es sonst nicht gab wird vernachlässigt, wenn man den Beitrag der Gemeinschaft zur Wiederherstellung der Integrität von Land und Natur berücksichtigt.

Als Vertreter des Utah County ging Kurator Peter Everett einen anderen Weg, indem er vier Künstler aufforderte, Werke speziell für „A Greater Utah“ zu schaffen. „Der Schwerpunkt liegt auf materiellen Prozessen und Transformationen, sei es durch handwerkliche Traditionen, das Auftragen von Farbe oder die Umnutzung von Industriewerkzeugen“, erklärte Everett in der Erklärung des Kurators.

Die vier Künstler – Makia Sharp, Brooklynn Johnson, Rachel Stallings-Thomander und Collin Bradford – zeichneten sich dadurch aus, wie sie in ihrer Arbeit mit Techniken und Substanzen experimentierten, die den Betrachter dazu ermutigen, sie so freizügig wie möglich und relevant für ihre eigenen Erfahrungen zu interpretieren, ohne sich dabei unwohl zu fühlen Der Künstler muss sie erklären. Die wunderschönen Pastelle von Johnsons Pear Tree Tie, einem Öl-auf-Leinen-Gemälde, sind ein typisches Beispiel dafür. Dazu gesellen sich drei weitere Werke des Künstlers (Peeling, Night of the Abalone und Grief Blanket), die alle einen kreativen Prozess nahelegen, der dem Durchsuchen von Stränden nach Fragmenten oder Objekten ähnelt, die für immer von ihrem ganzheitlichen Platz getrennt sind und den wir akzeptieren können die Unvermeidlichkeit des Verlustes.

In Süd-Utah, einer Region, die sich durch die Entwicklung und eine wachsende Bevölkerung fast, wenn nicht sogar schneller, verändert als in der nördlichen Region des Bundesstaates, wählte Kuratorin Jessica Kinsey Künstler aus, die überzeugende Argumente vorbringen. Kinsey stellt knapp fest: „Genau das passiert in Süd-Utah – wir töten und löschen das aus, was wir lieben.“

Crowds at Angels Landing (2019) des Fotokünstlers James Culbertson dokumentiert den erheblichen Anstieg des Tourismus im Zion-Nationalpark, wo Besucher darauf warten, die fünfeinhalb Meilen lange Wanderung zu unternehmen. Weitere Bilder sind Visitor Center, Fawn, Shuttle und Angels Landing Trail.

Kelly Tapìa-Chuning knüpft an ein bekanntes Gefühl darüber an, dass Menschen Kojoten als gefährliches Raubtier betrachten, und geht näher darauf ein, wie Menschen einheimische Arten als Konkurrenzbedrohungen betrachten – zum Beispiel diejenigen, die Hirsche jagen. Eines von vier Stücken, Sepultado, Este coyote ya No Ladra (Zur Ruhe gelegt, dieser Kojote bellt nicht mehr), ist eine außergewöhnliche Komposition des Konzepts des doppelten Bewusstseins – eine zerlegte Serape (mexikanische Decke) und ein nicht beanspruchtes Kojotenfell aus Utah, verbunden mit Kupfernägeln.

Mit „Being Diné“ untersucht Alana Tapaha mit „Being Diné“ eine andere Gefahr der Auslöschung: den potenziellen Verlust von Diné Bizaad, einer Navajo-Sprache. Tapaha nähert sich diesem Thema mit einer präzisen Darstellung, die das Thema mit strahlender Klarheit verdeutlicht. Die Arbeit besteht aus Schichten aus zwei Papiersorten. Die Wörter ihrer Sprache sind in kleiner normaler Schrift auf wasserlöslichem Papier gedruckt, das sich bei Kontakt mit Wasser auflöst, während die englischsprachigen Übersetzungen in fetter Schrift auf dem darunter liegenden Blatt gedruckt sind. Die schriftliche Form der Sprache wurde während des Zweiten Weltkriegs von den Navajo Code Talkers geschaffen.

Kinsey treibt das Thema der Löschung mit einem Werk von Nicolas B. weiter voran. Jacobsen, ein Utah-Mormone der siebten Generation, aufgewachsen in den Nuwu-Heimatgebieten, der sich als trans-nichtbinär identifiziert. Ihr Mixed-Media-Stück Pioneering Terra Nulliparous sieht aus wie ein Miniatur-Spielzeuglayout mit Actionfiguren und Elementen aus der Geschichte der Mormonen. Aber die vielfältigen Verweise auf historische Zeiten in den von ihnen ausgewählten Objekten verdeutlichen die ganzheitlichen Ergebnisse einer Pioniergeschichte der Kolonisierung, Besetzung und Entwicklung, die bedauerlicherweise möglicherweise nicht aufhört, bis alle Überreste früherer Epochen des Landes ausgerottet sind.

Left Time von Steven Stallings-Cardenas

Left Time von Steven Stallings-Cárdenas ist ein hervorragendes Videokunstwerk und eine kluge Interpretation des unaufhörlichen Trommelschlags als Metapher unserer monotonen Existenz innerhalb und außerhalb unseres Arbeitstages. Der Schlagzeuger trägt eine schwarze Hose, ein weißes Hemd und eine schwarze Krawatte und spielt auf seinem Schlagzeug eine sich wiederholende rhythmische Phrase. In dem Kurzfilm ist dieser Satz allgegenwärtig, als könne sich der Schlagzeuger nie ganz von der Plackerei des Arbeitstages befreien, egal ob er Auto fährt, im Aufzug fährt, in einer Fabrik ist oder auf einem Bett in einem Hotelzimmer faulenzt . Schließlich findet man den Schlagzeuger am Rande des Grand Canyon, was in einer improvisierten, interessanteren rhythmischen Sprache gipfelt. Die Rhythmen schwellen an und verebben unter sorgfältiger Kontrolle der Kadenzen, während der Filmemacher die perkussive Musik perfekt mit den Bildern auf der Leinwand synchronisiert.

Als Absolvent der Brigham Young University macht Stallings-Cárdenas derzeit seinen Master of Fine Arts an der Columbia University und arbeitet an einem Dokumentarfilm darüber, wie sich Künstler identifizieren, die mit der Kirche Jesu Christi der Heiligen der Letzten Tage verbunden sind oder waren sich selbst (z. B. Mormone oder ehemaliger HLT-Künstler).

Tortenständer-Altar von Alyce Carrier

Alyce Carriers Ausstellung „Cake Stand Altar“ entstand aus der Reise der Künstlerin, das Verschwinden ihrer Schwester vor einigen Jahren zu verstehen. Die Schwester kehrte nach weniger als einem Jahr von zu Hause weg zurück, doch für Carrier bleibt die Frage, warum das passiert ist, offen. So hat sie die Erinnerungen an ein ihrer Meinung nach immer noch unplausibles Ereignis verarbeitet.

Carrier spielt das Thema elegant, wobei die Tonkeramikstücke als Modelle unberührter, unberührter Erinnerungen dienen. Die emotionalen Spannungen beim Versuch, das vorübergehende Verschwinden ihrer Schwester zu verstehen, werden durch die Skulpturen vermittelt. Carrier legt großen Wert auf die feine Balance von Rauheit und Glätte in ihrem Erscheinungsbild. Die Werke wirken stark und widerstandsfähig, aber man erkennt auch ihre Zerbrechlichkeit, die ohne Vorwarnung brechen und zersplittern kann.

Dies ist die Essenz des therapeutischen Potenzials der Kunst, realistisch und intelligent artikuliert. Wir denken oft darüber nach, dass Risse den Wert eines Stücks mindern oder mindern könnten. Obwohl es in Carriers Stücken keine Risse gibt, ahnen wir deutlich, dass Risse oder Unvollkommenheiten unsere eigenen Spannungen und Verletzlichkeit widerspiegeln könnten, während wir versuchen, Ereignisse in unserem Leben zu verstehen, die wahrscheinlich nie vollständig nachvollziehbar sein werden.

Carrier kommuniziert effektiv, wie lindernd unsere Erinnerungen sein können. Die Künstlerin hat Kopien von Fotos von der Feier zum neunten Geburtstag ihrer Schwester gedruckt. Die Gäste sind herzlich eingeladen, sich ein Exemplar selbst anzufertigen. Die Erinnerungen an glücklichere Zeiten sind leicht zu erkennen, aber sie wurden auch gefärbt und wirken nicht so scharf oder so krass wie die Keramikstücke, die Carrier geschaffen hat. Es ist ein Beweis dafür, dass das Ziel der Erhaltung beharrlich verfolgt wird.

Gut Set von Ben Sang

Um Ben Sangs Gut Set als relevantes theoretisches Begleitstück zu UMOCAs Hauptausstellung A Greater Utah zu würdigen, lohnt es sich, die Wertschätzung des Künstlers und Anthropologen für Baudrillards Konzepte der Hyperrealität und der Simulacra zu berücksichtigen.

Sangs Arbeit umfasst Artefakte, die nicht zum Aufbau einer Collage gesammelt werden, sondern als Teil eines eher intellektuell gesteuerten Prozesses des Zusammenfügens und Filterns. Er verarbeitet dies, bis er den richtigen Kontextpunkt findet, der sein eigenes Gewicht haben kann, indem er die Spannungen zwischen und zwischen den ausgewählten Objekten veranschaulicht und demonstriert.

Während Baudrillards Simulacra veranschaulicht, wie Artefaktkopien oder -darstellungen als eigene Realitäten entstehen können, unabhängig von der Herkunft der Objekte, der Geschichte oder der Ereignisse, die sie darstellen, erreicht Sang ein ähnliches Ergebnis, indem er Objekte, Kopien, Darstellungen usw. sammelt, die Utah symbolisch definieren . Sangs Ausstellung im Artist-In-Residence (AIR) Space des Museums eröffnet den Ausblick mehr als das, was in früheren Ausstellungen in dieser Galerie zu sehen war. Er nutzt die Artefakte, um die visuelle Ebene zu verdichten, was wiederum das Gefühl von Baudrillard hervorruft, bei dem es nicht mehr notwendig erscheint, die Grenze zwischen dem, was real erscheint, und dem, was simuliert wird, zu unterscheiden.

Beispielsweise verkleinert und vervielfacht er die Lebensbaumskulptur von Karl Momen. Zu den weiteren Artefakten gehört ein Modell eines Detektors, den Wissenschaftler in der Westwüste des Bundesstaates zur Erkennung hochenergetischer Teilchen und kosmischer Strahlung verwendeten. Es gibt eine Zeichnung der White Pocket im Vermilion Cliffs National Monument, in der Sang ein digitales Bild eines Zombie-Bisons auf dem einzigartigen Wellenfelsen mit weißer Spitze platziert.

Landesweite jährliche UT '23: Gemischte Medien und Arbeiten auf Papier

Eine zufällige Ergänzung zu den aktuellen, oben genannten UMOCA-Ausstellungen ist die landesweite jährliche UT '23: Mixed Media and Works on Paper, koordiniert von der Utah Division of Arts and Museums (UA&M).

Mit zwei Juroren aus dem Ausland (Julio César Morales aus Arizona und Pat Hickman aus New York) wählte das UA&M mit Gastkurator Peter Hay 28 Werke von 24 Künstlern aus. Es lohnt sich, zuerst in die Hauptgalerie auf der unteren Ebene zu gehen, um „A Greater Utah“ zu besichtigen, und dann nach oben zu gehen, um die Werke der Statewide Annual Show zu besichtigen. Das Befolgen dieser Sequenz wird den thematischen Puls von A Greater Utahs Beweisen für das breitgefächerte Spektrum der Kulturgeographie in der bildenden Kunst verstärken.

Zu den verliehenen Preisen gehörten:

Best of Show(1.000 $): Linear, Jean Richardson

Auszeichnung des Jurors(600 $): Two Turtles at Gikal, Brandi Chase

Auszeichnung des Jurors(600 $): Nepantla, Rocio Cisneros-Vasquez

Auszeichnung des Jurors(600 $):Zwangsliebesstörung, Jamie Clyde

Auszeichnung des Jurors(600 $):Skelette im See, Jim Frazer

Auszeichnung des Jurors(600 $):Nichtig, Lenka Konopasek

Auszeichnung des Jurors(600 $):Letzter Tasmanischer Tiger, Alison Neville

Auszeichnung(200 $):Bindender Tod, James Rees

Auszeichnung(200 $):Licht in ihrem Gesicht, Evelyn Roundy

Ein People's Choice Award wird Anfang September bekannt gegeben und Galeriebesucher können bis zum 1. September abstimmen.

Zur Prüfung wurden 394 Arbeiten eingereicht. Hickman, ein landesweit bekannter Vollzeit-Studiokünstler, der im Lower Hudson Valley lebt, sagte, die Erfahrung als Juror „hat mir geholfen zu verstehen und zu lernen, was den Künstlern, die Arbeiten eingereicht haben, auf dem Herzen und Herzen geht.“ Es gibt gemeinsame Themen – Verlust, Identität, Sterblichkeit, Fragilität, Klimabedenken und Liebe zum Ort.“

Morales, Geschäftsführer und Co-Chefkurator am MOCA Tucson. fügte hinzu: „Indem sie die Grenzen zwischen Raum, Form und Material überwinden, laden die Werke den Betrachter ein, über menschliche Beziehungen und die Komplexität sozialer Strukturen nachzudenken.“ Er verwies auf den umfassenderen Ausdruck der Hoffnung auf eine bessere Zukunft in der Ausstellung und erklärte: „Ein interessanter Aspekt ist die Art und Weise, wie Künstler Materialien transformieren und die Grenzen eines bestimmten Mediums verschieben. Ganz gleich, ob sie mit Blattwerk oder Acrylfarbe arbeiten, diese Künstler verstehen die Notwendigkeit, ihre Medien zu ändern, um die Konversation voranzutreiben.“

Weitere Informationen zu den fünf Ausstellungen finden Sie auf der UMOCA-Website.