Von Dapper Dan bis Pharrell, hip

Als die Nadel die Schallplatten auf dem Plattenspieler von DJ Kool Herc traf und damit vor 50 Jahren den Beginn des Hip-Hop einläutete, drängte der Sound eine neue Kultur in die Künste, insbesondere in die Musik und Mode.

Die Auseinandersetzung des Hip-Hop mit Kleidung lässt sich in den Songtiteln erkennen: „My Adidas“, der Verkaufsschlager von Think Run-DMC, und „Versace“, der erste Hit von Migos. Aber im Rahmen des aufstrebenden Musikgenres wurden Stile aus Farbgemeinschaften an der Ost- und Westküste sowie im Süden auf die Hauptbühne der amerikanischen Mode gebracht.

Airbrush-Künstler machten aus schlichten Hemden und Kapuzenpullovern maßgeschneiderte Stücke mit einzigartigen Farben und Kunstwerken. Rapper trugen stolz ihren Namen auf Halsketten, Ringen und Gürtelschnallen. Marken, die nicht mit Musik in Verbindung gebracht werden, wurden zu Hip-Hop-Klassikern, darunter Kangol und Adidas.

„Anpassung und Personalisierung sind nicht nur die Essenz der Hip-Hop-Mode, sondern auch des Geistes des Hip-Hop“, sagt Isabel Flower, Co-Autorin von „The Nameplate: Jewelry, Culture, and Identity“. ) Es ist wichtig, eine einzigartige Identität auf eine Weise auszudrücken, die kein anderer kann oder hat.“

Die Wurzeln des Hip-Hop liegen in schwarzen und braunen Arbeitervierteln, wo Armee- und Arbeitskleidungsgeschäfte Artikel wie Tarnanzüge, Dickies-Latzhosen, Carhartt und Timberland anbieten. In den ersten Iterationen der Hip-Hop-Mode wurden die Trends nicht vom Künstler vorgegeben, sondern die Künstler spiegelten ihre Gemeinschaft wider.

„Für mich war es nicht so, als gäbe es einen Künstler, der die Modebranche vorantreibt. Ich glaube, viele Leute scheinen das zu vergessen. Hip-Hop ist eine Kultur“, Elena Romero, Co-Autorin von „Fresh Fly Fabulous: 50“. Jahre Hip-Hop-Stil“, sagt. „Wir waren alle kleine Kinder. So viele von uns interpretierten die damals beliebten Stile einfach neu und machten sie zu unserem eigenen.“

Heutzutage sieht die Individualisierung bei Künstlern wie Skizzen aus einem Luxusatelier oder ein kompliziertes Design eines berühmten Juweliers aus. Aber vor Jahren blühte es auf der Basisebene auf.

Just C Greenidge, der Kreativdirektor von Jay-Zs Roc Nation-Bekleidungslabel Paper Planes, erinnert sich an die frühen Momente der Hip-Hop-Mode, als Airbrush-Hemden ein unverzichtbares Kleidungsstück waren. Doch bevor er seine eigene Marke gründete, ahmte er die Kleidung, die er begehrte, mit dem nach, was er hatte.

„Ich habe angefangen, auf Kleidung zu malen“, sagt Greenidge. „Ich wusste definitiv nichts über Airbrush, aber ich ging zu meinem örtlichen Künstlerbedarfsladen, holte mir Acrylfarbe und kam nach Hause. Jeder wollte ein Individuum sein, während es jetzt so ist, als ob jeder nach dem Gleichen sucht.“

Der berühmte Designer Dapper Dan kreierte in den 80er-Jahren in seiner 24-Stunden-Boutique in Harlem individuelle Looks für Stars und bot den führenden Stimmen des Hip-Hop individuelle Looks mit nachgebildeten Luxusmustern von Louis Vuitton, Gucci und MCM an.

Sein Geschäft lief bis 1992, als ihn ein Rechtsstreit wegen Markenverletzung zur Schließung zwang. Aber sein modischer Einfluss wurde verewigt, indem er auf dem Rücken von LL Cool J, Salt-N-Pepa und kürzlich Saweetie und Doja Cat für ihr Musikvideo „Best Friend“ getragen wurde.

„Die Rolle, die ich in der Hip-Hop-Mode spiele, besteht darin, das, was der Künstler sagen möchte, in die Art und Weise zu übersetzen, wie man sich kleidet, damit sein Aussehen zu seiner Botschaft passt. Ich liebe es, das zu tun“, sagt Dapper Dan, geboren als Daniel Day. „Ich habe Kollektionen, aber ich würde niemals zulassen, dass die Kollektionen die Couture (oder) das, was ich ‚Street Couture‘ oder ‚Us Couture‘ nenne, beeinträchtigen.“ "

Als Hip-Hop in den 90er- und 2000er-Jahren zur Musik der Populärkultur wurde, sprangen viele Künstler vom Mikrofon ab und gründeten ihre eigenen Modelabels.

Der Wu-Tang-Clan gründete Wu Wear, 50 Cent fügte G-Unit zu seinem Imperium hinzu und Sean „Diddy“ Combs baute Sean John auf, wodurch der Hip-Hop-Mogul 2004 vom Council of Fashion Designers of America zum Herrenmode-Designer des Jahres gekürt wurde.

„Als diese Künstler die Macht ihrer eigenen Berühmtheit erkannten, dass sie selbst eine Marke waren und die Art von Verkäufen erkannten, die bei ihren Konzerten stattfinden, (wollten sie), mehr Kontrolle über diese Dollars und ihr Image zu bekommen“, sagt Romero.

Aber es war schwieriger, eine Marke am Laufen zu halten, als eine zu gründen. Viele gewannen auf ihrem Höhepunkt schnell Anklang, konnten sich aber nicht dauerhaft ihrer Beliebtheit erfreuen. Sowmya Krishnamurthy, Hip-Hop-Journalistin und Autorin des kommenden Buches „Fashion Killa: How Hip-Hop Revolutionized High Fashion“ (erscheint am 10. Oktober), sagt, dass viele der Marken zusammengebrochen seien, weil „der Markt einfach so übersättigt war und viele davon …“ Kleidung war nicht so anders. Wenn man ein Sweatshirt hat, bei dem man das Logo austauscht, ein T-Shirt … kann man das nur begrenzt lange durchhalten.“

Greenidge war 2006 Oberbekleidungsdesigner für Rocawear, Jay-Zs erstes Modeunternehmen in Zusammenarbeit mit Damon Dash, und erinnert sich, dass es die Marke damals schon gab und dass sie ihre rasante Popularität in den 2000er-Jahren nicht aufrechterhalten konnte.

„Angesichts des rasanten Wachstums dessen, was die Marke leisten konnte … war es fast unmöglich, sie zu behalten und den Kurs beizubehalten“, sagt er.

Krishnamurthy sagt, Labels wie Rocawear seien „aus der Not entstanden“, als Mainstream-Modelabels Künstler abwiesen, wenn sie Partnerschaften vorschlugen. Als „Hip-Hop zur neuen Berühmtheit wurde“, änderte sich die Stimmung der Mode-Gatekeeper.

„Luxusmarken und die damaligen Statusmarken hatten keine andere Wahl, als diese neuen Musikpersönlichkeiten anzunehmen und zu unterstützen“, sagt Romero.

Auf den Modewochen von heute sind die aufstrebenden und etablierten Stars des Hip-Hop stark vertreten.

„Es sind Rapper, die in der ersten Reihe sitzen. Jedes Jahr wollen die Leute bei der Met Gala wissen, was Cardi B tragen wird“, sagt Krishnamurthy. „Sie ist wahrscheinlich eine der aufregendsten Figuren im Hip-Hop. ... Sie experimentiert immer und ist zu einer echten Stütze der Couture-Woche geworden.“

Doch bevor diese Plätze frei waren. Hip-Hop trug immer noch Luxuslabels als Statussignal. Dan, der viele Künstler mit Gucci-Symbolen und maßgefertigten Lederklamotten „herausgelobt“ hat, sagte, dass es bei Hip-Hop-Mode darum geht, seine Kollegen „in den Schatten zu stellen“.

„Weißt du, wenn du eine Gucci-Jacke hast, okay, cool. Jetzt hast du ein Gucci-Outfit. Oh Mann, jetzt bist du wirklich angesagt“, sagt Dan.

Trotz mehrerer Kontroversen innerhalb der Mode, die dazu führten, dass Labels wie Gucci und Balenciaga zur Aneignung aufgerufen wurden, fungierte Hip-Hop auch als Vehikel für Veränderungen.

„Ohne Hip-Hop-Mode würden wir die Vielfalt auf dem Laufsteg nicht sehen. Wo sonst haben wir Körper in allen Größen und verschiedenen Farben gesehen?“ sagt Romero. „Das kam alles aus der Hip-Hop-Kultur, denn unsere Vision von Schönheit war sehr umfassend und ganz anders als die Mainstream-Vision von Schönheit.“

Im Februar ernannte Louis Vuitton den Rapper, Produzenten und Mogul Pharrell Williams zum nächsten Kreativdirektor für Herrenmode des Labels. Der Schritt schien eine Verschmelzung von Hip-Hop und Mode auf einem der höchsten Höhepunkte der Branche zu signalisieren.

Pharrells erste Show war voller prominenter Hip-Hop-Gäste: Jay-Z trat auf der Afterparty auf, Beyoncé war trotz Europatournee anwesend und das Clipse-Duo Pusha T und No Malice lief über den Laufsteg. Die Louis Vuitton-Show war eine Präsentation hochkarätiger Hip-Hop-Künstler, doch damit die Hip-Hop-Mode die nächsten 50 Jahre Bestand hat, müssen laut Modeexperten Investitionen in die nächste Generation getätigt werden.

„Wir sind voll von talentierten, kreativen Farbdesignern. Aber sie wissen immer noch nicht, wie sie an das Finanzierungskapital kommen“, sagt Romero. „Es geht uns nicht einfach nur darum, uns zu zeigen, dass Sie von Prominenten unterstützt werden. ... Ich denke, irgendwann wird der Verbraucher ihn zur Rede stellen, ganz gleich, wer der Designer ist.“

Krishnamurthy fügt hinzu: „Ich würde mich freuen, wenn jemand, der aus dem Hip-Hop kommt, eine gleichnamige Linie hätte, die sich wirklich bewährt. Ich denke, das wäre ein großartiger nächster Meilenstein für die nächsten 50 Jahre und darüber hinaus.“